Если разрезать слоеный пирог чикагской сценической жизни, то можно выделить четыре прочные традиции: театр, импровизация, перформанс и танец. Физический театр находится на пересечении всех этих направлений. Но что такое физический театр?
Элис да Кунья, соучредительница и художественная руководительница Physical Theater Festival Chicago, описала его как «скорее подход к театру, чем заключение или окончательный продукт. Мы говорим, что если вы закроете глаза, вы пропустите по меньшей мере 50–100 процентов спектакля. Визуальное и тело в пространстве так же важны и интересны, как и слова в пространстве».
Фестиваль вернулся в 13-й раз, последние мероприятия прошли с 1 по 7 июня — неделя рассказов и мастер-классов, которые отказывались от ярлыков и одновременно погружали исполнителей и зрителей в игру и возможности. Особенность этого фестиваля — смешение влияний, которое он приносит в Ветреный город. От клоунады до масочной работы, от трагедии до мелодрамы, от лип-синка до акробатики, от кукловодства до мима, от танца до сольных спектаклей — всё находит своё место в широкой программе фестиваля. Как сказал Марк Фрост, соучредитель и исполнительный директор фестиваля, в приветственной речи: «Мы действительно благодарны вам за то, что вы позволяете нам жить нашей мечтой — привозить международные и приезжие проекты сюда, в Чикаго, каждое лето, создавать сообщество и праздновать вместе».
Разумеется, есть и много локальных примеров подобных работ. Чтобы открыть фестиваль, Скотт Рэй Мерчант кураторски собрал Scratch Night — вечер с отрывками в разработке от местных чикагских артистов. В июньскую ночь открытия были представлены заражённые чумой куклы Эллы Крамер, клоунский ужин на троих Сары Бек, танец транс-любви Люка Вирджилио и Эмила Холта, коммедия про цыплят от The Flock, исследование гендера от Masculine Tenderosity и акт возвращения от Piel Canela Company.
«Чикаго — лучший город, без сомнений, для экспериментальной новой работы», — сказал Мерчант. «А то, что делает его лучшим, — это поддержка аудитории».
При аншлагах театралов можно было увидеть, как зрители общаются с друзьями из прошлых фестивалей и знакомятся с новыми лицами — свидетельство похвалы Мерчанта и усилий да Куньи и Фроста по созданию сообщества. Больше работ чикагских артистов оказалось на сцене в ночи Made in Chicago 2 июня: MATADORA (W.I.P) от Insekta исследовала латинский гнев, а The New F-Word от LegLand позволил туману занять центральное место.
Пять хедлайнеров фестиваля, каждый отличающийся формой и все — щедрые по духу, были отобраны да Куньей и Фростом из более чем 250 заявок в этом году. Исполнители также делились своим мастерством на мастер-классах — в той самой обменной программе, которую соучредители создали между артистами и сообществом. Я посетила два предлагаемых мастер-класса: проводила несколько утр, учась сочетать акробатику и повествование и исследуя, что наше тело может передать через нейтральную маску и мелодраму. Участники также примеряли красный нос в клоунском воркшопе и превращали свой жизненный опыт в монопьесу.
Сьюзен Э. Боуэн, координатор мастер-классов фестиваля, подчеркнула важность присутствия разнообразных голосов, формирующих фестиваль. «Я думаю, что сейчас в нашей стране очень важно, что люди из разных частей мира всё ещё могут приезжать и делиться живым представлением», — сказала она. Для Боуэн это привилегия — «знать, что на таком уровне искусство происходит в мире, и иметь к нему доступ». С этим трудно не согласиться.
Первый из пяти хедлайнеров
Первый из пяти хедлайнеров, I Think It Could Work, держал зрителей на краю сидений, когда чикагская цирковая труппа Full Out Formula жонглировала шарами, балансировала палками и катапультировала друг друга в последовательных акробатических номерах. Сьерра Роудс Николлс, Кевин Флэнаган и Лиам Брэдли работают вместе с 2024 года, и среди троицы акробатов ощущалось явное доверие, когда они создавали, казалось бы, невозможные фигуры в костюмах основных цветов.
Ноги к небу: Николлс крутилась на движущемся столе, пока Брэдли и Флэнаган заменяли ноги стола прямо у неё под руками. Наблюдая, как она держит равновесие вверх ногами на одной руке на плечах Флэнагана и Брэдли, я видела биомеханику в действии, чему они дали вкус на своём раннем мастер-классе. Дети в зале восклицали от восторга и шока, когда акробаты бросали яйца между ртами, и затаив дыхание наблюдали, как Брэдли скользнул желтком с одной руки на другую по её спине, прежде чем начать жонглировать всё большим числом шаров в воздухе. Флэнаган балансировал палки на лице, одновременно выполняя ещё более сложную задачу: звонить своим родителям.
Особенность этого акробатического приключения, отличавшая его от прочих, заключалась в том, как трио бросало вызов друг другу и самому спектаклю, превращая его в полотно возможностей и правды. В игре в музыкальные стулья тот, кто занимал священный стул, получал право задавать другим двоим вопрос, требуя эмоциональной открытости сверх физической уязвимости, которую требовали акробатические номера.
Зрители также вовлекались в повышение ставок. На каждом этапе исполнители просили кого-то из толпы сделать выбор, влияющий на представление: сколько секунд держать позу, по ошибке или нарочно, в боксерах или в трусах. Они даже в конце спели мне «С днём рождения». Трио постоянно испытывало себя — сможет ли оно действительно сработать. И каждый раз — да.
Emotional Journey
На фоне фотографий из Северной Кореи и Китая Сора Бэк провела нас по эмоциональному пути в своём сольном спектакле SELL ME: I am from North Korea. Она принесла один чемодан, наполненный душераздирающей историей о том, как её воспитывали в Северной Корее, затем продали в Китай, чтобы оплатить лекарства матери, и как в конце концов она нашла стабильность в Южной Корее. Переключаясь между языками, между юмором и серьёзностью, между песней и движением, Бэк удерживала наше внимание, пока мы следовали за ней через воспоминания о бескорыстии, борьбе, выживании и безопасности.
Истории из Северной Кореи или о ней редки, особенно рассказанные тем, кто жил там. В процессе создания спектакля Бэк сказала, что также усвоила «важность ставить под сомнение предположения, расширять границы и узнавать дальше, чем тебе рассказывали», — то, что она надеется, возьмут с собой зрители, будь то публика Эдинбургского фестиваля или чикагские зрители.
«Я надеюсь, что SELL ME поможет людям увидеть Северную Корею не только через заголовки», — сказала Бэк. «Когда большинство людей думают о Северной Корее, они думают о политике, ядерном оружии и военных парадах. Но там живут миллионы обычных людей, и их истории часто остаются незамеченными».
Мир, который Бэк просила нас рассмотреть глубже, связывал нас через общую человечность. «Я надеюсь, что люди покинут театр с большим чувством эмпатии и глубокой связью с человеческой стороной этой истории», — сказала она. «И если это заставит людей говорить о правах женщин, стойкости, идентичности или свободе — это было бы прекрасно».
Преобразование физического театра
Apocalipsync Луциано Россо сломал все мои представления о том, чем может быть физический театр. Не произнеся ни слова, Россо использовал каждую часть своего тела, чтобы пережить момент времени, который нам всем хорошо знаком, в уникальном исполнении: как и многие из нас, в 2020 году Россо был заперт в своей парижской квартире из-за пандемии Covid. В спектакле он оживляет обыденные моменты, которые мы все переживали, теперь с достаточной дистанцией от травмы, чтобы можно было над ними посмеяться. Эффект напоминал оживший мультфильм.
Россо поднял лип-синк на совершенно другой уровень. Его работа настолько воплощена, что можно на мгновение забыть, что на сцене не птица, не пожарная машина, не шумные соседи и не Мэрайя Кэри, а просто человек в халате.
Ребёнком Россо подражал всему, что слышал: разговору, будильнику, собаке за стеной. Развивая Apocalypsinc во время пандемии, он использовал тот же путь — слушание, имитация, импровизация и исследование. В сотрудничестве со своей режиссёршей Марией Сакконе он довёл каждую сцену до состояния, требующего полного вовлечения публики в тот момент, когда наши ожидания переворачиваются.
Всё начинается со звука. Затем Россо модулирует лицо в соответствии с ним, изолируя глаза, рот и брови, прежде чем добавить руки, торс и ноги в хореографию. На фестивале погружённая публика смотрела, как он скользит по полу, стоя на плечах, прежде чем подарить то, что можно описать только как балет спины. Он наполнил сцену полноценным концертным выступлением, оживил ролики из социальных сетей и провёл домашнюю тренировку, вызвав у кого-то в зале крик: «Я помню, как я так делал!» В интервью Россо сказал, что понимал — люди «узнают себя в той или иной части спектакля… что будет зеркалирование».
Apocalypsinc был создан и исполнен на четырёх языках — английском, испанском, французском и итальянском — что делает предпоследнюю часть шоу ещё более поразительной. В дань уважения актёрам дубляжа Россо синхронизирует губы с аудиозаписями, собранными из множества актёров дубляжа, которых он изучал, чтобы «дать образ актёрам и актрисам, которые дают свой голос, но о которых мы никогда не знаем». Переключаясь между четырьмя языками, он отмечал: «Структуры похожи, но голос другой, дыхание, паузы. Иногда в одну неделю я играю три-четыре разные версии. Но когда я вхожу в это, моё тело узнаёт, и я в деле».
Compañia de Teatro Físico в Los Regalos доказала ещё раз, что для сильного театрального воздействия слова не обязательны. Шоу исследовало многочисленные формы маскулинности и то, что они требуют от тех, на кого эта маскулинность воздействует. Перуанская труппа с помощью масок перенесла исследование того, как выглядят горе, любовь и поддержка, прямо в тело. Los Regalos стал первой масочной работой в истории фестиваля и первой попыткой режиссёра Фернандо Кастро рассказывать историю без текста — задачей, с которой он и труппа справились в ходе двухлетней разработки спектакля.
«У нас никогда не было такого количества времени и ресурсов, чтобы тратить их только на один проект», — сказал Кастро в интервью, отмечая, что пандемия и дополнительное финансирование позволили провести расширенный период исследований. «Это был по-настоящему прекрасный опыт».
Пара обуви становится центральным «подарком» в спектакле — физическим воплощением как личного достижения, так и неразрывной взаимосвязи членов семьи. На фоне таймлапсных рисунков и землистой палитры мы видим двух братьев (Эдуардо Кардозо и Диего Сакурай) и их отца (Мигель де ла Роча), которые взрослеют, отдаляются друг от друга и в конце концов снова сближаются, когда обувь переходит от отца к сыну и дальше — от сына к сыну.
В результате получается нюансированное изображение не только маскулинности, но и семьи в целом. Даже в тишине игры тематические вопросы звучали громко и ясно: где пересекаются насилие и любовь между мужчинами, и как выглядит забота в семье, когда они стареют вместе? Как и после мастер-класса Кастро по маскам, я осталась эмоционально тронута и полна вопросов.
Заключение
Перед посадкой на собственный рейс из Чикаго я села в самолёт клоунского дуэта A Little Bit Off на их представление Beau and Aero. Наполненное хрупкими крекерами, падающими телами и шарами всех размеров, шоу вызывало смех и даже отправило нас домой с маленькой летающей игрушкой, чтобы радость клоунады продолжалась.
Несмотря на то, что большинство их кастомных реквизитов и костюмов были украдены всего за несколько дней до выступления, Амика Хантер и Дэвид Кантор из A Little Bit Off воскресили шоу, созданное ими в 2013 году, настолько удачно, что ребёнок подошёл к ним и воскликнул: «Мне понравилась вся часть!» Но их нелепость предназначалась не только младшей половине аудитории. Я хихикала, когда Хантер играла на своём шарике музыку, к досаде Кантора, и когда дуэт балансировал шар между телами, двигаясь по сцене.
Хантер поделилась, что клоунское шоу часто не имеет сценария или диалогов, а скорее заметки о последовательностях событий для исследования. Поэтому возрождать пьесу, которую они создали более десяти лет назад в Портленде, было «как быть археологом». «Было очень весело и интересно вернуться к шоу, которое мы сделали, когда были такими молодыми и свежими. Я могу ностальгически прикоснуться к этому», — сказала Хантер.
Наблюдая за ними на сцене, создавалось впечатление, что время не прошло. Их выходки и взаимодействие персонажей напоминали фильмы 1920-х и вавильон; они даже используют винтажное радио, чтобы озвучивать свои акробатические номера. Переключаясь между станциями, публика ловила уникальную лёгкость, которую клоунада приносит на сцену.
«Мне нравится чувствовать ту радость, которую действительно испытывает аудитория», — сказал Кантор в интервью. «Если я могу заставить их почувствовать что-то, я хотел бы, чтобы это была радость».
Радикальное чувство радости — вот что я унесла из недели, проведённой за просмотром физического театра. Было очевидно, что Фрост и да Кунья живут этим, и что чикагское сообщество принимает их вклад и делится любовью к исследованию того, на что способны человеческое тело и дух.
Физический театр, как выяснилось, — это не только о телах на сцене. Это о телах в пространстве, вместе, разделяющих эфемерный момент человеческой возможности. Как сказала Боуэн, это о «совместном опыте возможности сказать: „Ты это видел? Я это видел?“ Когда ты можешь поделиться этим опытом с кем-то, это укрепляет жизнь».
Возвращаясь к своей жизни и к реалиям мира за пределами Physical Theater Festival Chicago, я держу в памяти наблюдение, которое Кастро поделился на своём мастер-классе: легко потеряться в трагедии и структурах жизни, но мы всегда можем выбрать клоунский взгляд в поисках надежды и открытий. Давайте держаться за эту надежду до возвращения фестиваля следующим летом.
Ишика Мучал — актриса, певица, танцовщица, писатель, продюсер, режиссёр, модель и комедиантка из Лос-Анджелеса, в настоящее время базируется в Нью-Йорке. Грантополучатель Калифорнийского совета по искусству, она пересекает активизм, эстетику, эксперимент, повествование и юмор и представлена агентствами Han Talent, CESD, Media Artists Group и Bramante Artists.